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Tres escritores latinoamericanos, seleccionados al Man Booker International

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La argentina Samanta Schweblin, el colombiano Juan Gabriel Vásquez y la chilena Alia Trabucco Zerán figuran entre los trece seleccionados al premio de literatura The Man Booker International 2019, informó [] la organización.


El jurado del galardón británico, que premia obras traducidas al inglés y publicadas en el Reino Unido entre mayo de 2018 y abril de este año, seleccionó "Mouthful of birds" de Schweblin, "The shape of the ruins" de Vásquez y "The remainder" de Trabucco Zerán.


Schweblin ya figuró entre los seis finalistas al premio en la edición de 2017 con su novela "Fever Dream", traducida por Megan McDowell, con la que también ha colaborado en "Mouthful of birds".


Esta es la primera selección de los nominados, ya que el próximo 9 de abril se darán a conocer los seis finalistas y el ganador se anunciará el 21 de mayo en una ceremonia en Londres.


El historiador y escritor Bettany Hughes, presidente del jurado, destacó la variedad de obras que están representadas en este primer listado, de las que dijo que "enriquecen" la literatura.


"Este año en nuestra larga lista están representados los viajes surrealistas en trenes chinos, los enfoques más absurdos sobre la guerra y el suicidio y los traumas del espíritu y la carne. Estamos encantados de compartir trece libros que enriquecen nuestra idea de lo que puede hacer la ficción", afirmó Hughes en un comunicado.


La organización resaltó además que la mayoría de los libros seleccionados están escritos por mujeres (un total de ocho) y publicados por editoriales independientes (solo dos llevan el sello de grandes compañías).


El Man Booker International subraya particularmente la labor de los traductores, que comparten el premio de 50.000 libras (unos 58.000 euros) con los autores.


Por esta primera preselección, cada escritor y traductor recibe 1.000 libras (unos 1.160 euros).


La escritora polaca Olga Tokarczuk, que fue la ganadora de la pasada edición por su obra "Flights", figura de nuevo entre los selecciones por "Drive your plow over the bones of the dead".


The Man Booker International es el hermano del Man Booker, uno de los galardones más prestigiosos de la literatura anglosajona, que entrega la fundación Booker Prize y patrocina el grupo inversor Man Group.


Se fundó en 2005 para premiar cada dos años la obra completa de autores de ficción que escribieran en inglés o bien estuvieran ampliamente traducidos a ese idioma, un reconocimiento que han obtenido la canadiense Alice Munro (2009), y los estadounidenses Philip Roth (2011) y Lydia Davis (2013).


El premio cambió sus bases a partir de 2015 y desde entonces se entrega cada año para reconocer al autor y el traductor de una obra escrita en un idioma distinto al inglés y publicada en el Reino Unido.

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Artes, Cultura, Video

Las mujeres hispanas más poderosas de People en Español se reúnen en Miami

Algunas de las 25 mujeres hispanas más poderosas, según People En Español, se dieron cita [] en Miami para el almuerzo que desde hace diez años organiza la popular revista con el fin de reivindicar el papel de la mujer en la sociedad.


"En los últimos tiempos ha habido una revolución, las mujeres han salido y han destacado y eso es algo que se tiene que celebrar, solo es el principio porque aún tienen que pasar muchas más cosas", explicó el editor de People en Español, Armando Correa, a Efe en Miami.


Adamari López, Gaby Espino, Francisca Lachapel o Clarissa Molina fueron algunas de las destacadas personalidades de la música, el cine y la televisión que asistieron a la ceremonia celebrada en el Country Club de la ciudad de Coral Gables (Sur de la Florida).


María Celeste Arrarás, presentadora de "Al Rojo Vivo", uno de los programas más vistos de la cadena hispana Telemundo, reivindicó que este tipo de eventos se tendrían que realizar más a menudo porque "es necesario que se ponga de manifiesto la importancia que tiene la mujer en la sociedad".

Artes, Cultura, Televisión

Netflix cancela la serie "One Day at a Time"

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La plataforma Netflix anunció este jueves la cancelación de la serie "One Day at a Time", protagonizada por Rita Moreno y Justina Machado, después de tres temporadas.


"Ha sido un gran honor trabajar con el legendario (productor) Norman Lear en la serie", dijo en un comunicado el director de Contenido de Netflix, Ted Sarandos, quien mostró su gratitud a todo el equipo "por crear una serie con tanto humor, corazón y humanidad".


"Esta ha sido una decisión muy difícil y estamos agradecidos a todos los fans que han mostrado su apoyo a la serie, a nuestros socios en Sony y a todos los críticos que la bendijeron. Aunque es decepcionante que más gente no descubriera la serie, creo que 'One Day at a Time' resistirá el paso del tiempo", agregó Sarandos.


Según sostiene la revista Variety, los productores de Sony Pictures Television pretenden continuar adelante con la serie bajo el paraguas de otra plataforma.


Rita Moreno, Isabella Gómez y Justina Machado interpretan en la serie respectivamente a la abuela, la madre y la hija de una familia de origen cubano, con tramas donde se tocan asuntos como el miedo a la deportación, la depresión, el racismo o la homosexualidad.


"No sé cómo empezar a expresar mi gratitud a todos. Realmente ha sido un honor contar nuestras historias. Sí, era una familia latina pero con un trasfondo universal sobre la familia y el amor. Una familia estadounidense", escribió Machado en su perfil oficial de Twitter al conocer la noticia.


La plataforma Netflix, en un movimiento poco habitual, publicó en Twitter un mensaje con el que se dirigió directamente a los espectadores de la serie.


"Para aquellos que sienten que se han visto reflejados o representados por primera vez gracias a la serie, no os toméis esto como una indicación de que vuestra historia no es importante", indicó la empresa.


"La efusión de amor por esta serie es un claro recordatorio de que debemos continuar encontrando maneras de contar estas historias", apuntó.

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Artes, Cultura, Estilo y Moda

Las sandalias de plataforma marcarán tendencia en la primavera-verano 2020

La casa-taller del arquitecto belga Victor Horta, reconvertida en el Museo Horta de Bruselas, acoge hasta el 30 de junio una colección de 45 objetos auténticos que reconstruyen la decoración real de la vivienda cuando era propiedad del maestro del "Art Nouveau", entre 1901 y 1919.


Durante casi una veintena de años, Horta fue dueño de los dos edificios que componen la casa-taller, donde residió y concibió la mayor parte de sus obras, aunque partió a Estados Unidos al estallar la I Guerra Mundial y a su regreso, en 1919, decidió venderlos.

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Un siglo después de su venta, el Museo Horta conmemora ese aniversario con tres exposiciones, una de ellas dedicada a las colecciones de Extremo Oriente que había en la casa hacia 1905, que revelan una nueva faceta del arquitecto, la de coleccionista.


El responsable de las relaciones con el público del Museo Horta, Thierry Mondelaers, explicó a Efe que Horta era "un gran coleccionista de arte oriental", y eso se ve claramente reflejado en la exposición, que ha intentado "reconstruir el espíritu de la casa de aquel momento".


Coincide con esta idea la conservadora de colecciones de Extremo Oriente en el Museo de Arte e Historia de Bruselas, Nathalie Vandeperre, quien señaló a Efe que estos objetos, la mayoría de origen japonés y chino, eran muy apreciados en aquel momento, especialmente los de metal.


"El arte del metal era extraordinario en aquella época porque los talleres (asiáticos) trabajaban para los samuráis, entonces tenían un conocimiento excepcional (de este material)", afirmó Vandeperre.


El museo también acoge obras de otros artistas del "Art Nouveau", como Henry van de Velde, Paul Hankar y Gustave Serrurier-Bovy.


Para Mondelaers, el "Art Nouveau" de Victor Horta forma parte de la identidad cultural de Bruselas de la misma forma que el Modernismo de Antoni Gaudí es una seña de identidad de Barcelona.


En Bruselas, explicó Mondelaers, "hay una gran cantidad de edificios de 'Art Nouveau' o con algún detalle de este estilo en la fachada", aunque lamentó que la Maison du Peuple, un inmueble diseñado por Victor Horta para ser sede de los socialistas belgas, fuera demolida en 1965 "a causa de la especulación inmobiliaria".


El "Art Nouveau" está hoy reconocido por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco), que incluye en su lista de Patrimonio Cultural de la Humanidad varias obras de Horta que pueden visitarse en Bruselas, como el Hotel Solvay, el Hotel Tassel, el Hotel van Eetvelde o el propio Museo Horta, que recibe cada año cerca de 65.000 visitantes.

Cultura, Artes, Gastronomía, Video

La escuela gastronómica de Claus Meyer abre su primer restaurante en Bolivia

La gastronomía típica boliviana con un toque moderno y saludable es parte de la oferta del primer restaurante social presentado este jueves por las escuelas Manq'a, impulsadas en Bolivia por el empresario gastronómico danés Claus Meyer, del reconocido Noma de Copenhague.


Como las escuelas, el restaurante se llama Manq'a, una palabra aimara que significa comida, y desde la próxima semana ofrecerá almuerzos de lunes a sábado, anunció a los medios el coordinador del proyecto, Ariel Tito.


"Es el restaurante social Manq'a, que celebra y valora toda la producción boliviana", afirmó.


Tito recordó que las escuelas Manq'a comenzaron a funcionar en 2014 con la visión de "poder apoyar a jóvenes de escasos recursos en la ciudad de El Alto", vecina de La Paz.


En la actualidad funcionan en esa ciudad diez escuelas gastronómicas que hasta el momento han formado a más de 3.500 jóvenes, de los que el 50 por ciento "está desarrollando sus emprendimientos o están trabajando en varios restaurantes" en diversas regiones bolivianas.


El siguiente reto fue crear un restaurante para que la gente "pueda degustar comida boliviana hecha con productos bolivianos", a la vez que apoyen con su consumo "a que más jóvenes de las escuelas Manq'a sigan formándose en Bolivia".


La pasión por la gastronomía se aprecia desde el decorado del lugar, con diversos elementos de la cocina como coladores y ralladores a modo de lámparas, cestos de panes colocados de forma armoniosa en una de las paredes y un mural hecho con cucharas.

Artes, Cultura, Musica, Video

Gente de Zona y Dangond, con más de 2 millones de visitas por "El mentiroso"

Gente de Zona y Silvestre Dangond sobrepasan los 2 millones de vistas en las principales plataformas digitales con su nuevo sencillo "El mentiroso", un tema con el que reflexionan sobre las excusas en las relaciones de pareja y que combina los ritmos latinos del pop y el reguetón con el vallenato.


Durante una gira de promoción en Miami, Randy Malcom y Alexander Delgado (Gente de Zona), dijeron en entrevista con Efe que se divirtieron mucho durante la grabación del videoclip.


El rodaje tuvo lugar en Cuba bajo las órdenes de Alejandro Pérez, quien también dirigió la producción de "La gozadera", "Bailando" y "Traidora".


"El mentiroso" ya ha registrado más de 2 millones de vistas en medios de difusión digitales, unos datos muy esperanzadores para el dueto cubano, que confía en que el tema "se convierta en todo un éxito".


Entre las anécdotas del rodaje, los artistas revelaron que tuvieron que disfrazarse de mujer y que "ahora" entienden "por todo lo que ellas tienen que pasar".

Artes, Cultura, Gastronomía, Turismo

La nueva oferta gastronómica de la Torre Eiffel se apunta al "bio"

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La Torre Eiffel, uno de los monumentos más visitados del mundo, tendrá una nueva oferta gastronómica a partir de mayo, con una apuesta por los productos de cercanía y de elaboración ecológica en los dos restaurantes que alberga en su estructura.


El chef Frédéric Anton, tres estrellas Michelin, dirigirá el restaurante Le Jules Verne, hasta el verano pasado en manos del chef Alain Ducasse, mientras que Thierry Marx, dos veces reconocido con la estrella Michelin, se ocupará de la "brasserie" 58 Tour Eiffel, un café-restaurante más distendido, típicamente francés.


Marx será también el responsable de los platos de una gama para llevar que estará disponible en varias instalaciones de la torre, incluyendo un bar únicamente de champán, todos ellos todavía en construcción.
Mientras los kioscos de comida rápida y Le Jules Verne estarán disponibles a partir del 24 de mayo, la nueva "brasserie", cuyas obras de renovación tienen el objetivo de que todos los comensales puedan disfrutar de las vistas, no estará accesible hasta principios de 2020.


En una presentación a la prensa, los dos "chefs" insistieron en que su voluntad al frente de estos escaparates de la gastronomía francesa será mostrar la artesanía de la región con ingredientes que cambiarán según la temporada.


"Hemos visitado hasta 350 hectáreas de productos producidos con valores ecológicos y sociales. Esos son los que podrán degustar en los restaurantes de la Torre Eiffel", dijo Marx.


En el caso de Le Jules Verne, situado a 125 metros de altura, Anton hará "redescubrir la gastronomía francesa" aportando su estilo e identidad en espacios completamente renovados.


"Será una alianza de modernidad y de un cierto clasicismo. Los visitantes vienen para vivir una experiencia única y es lo que hemos intentado con sus nuevos servicios y arquitectura", apuntó.


Para hacer frente a la fuerte demanda, el restaurante ampliará sus horarios y abrirá para las cenas a partir de las 18.00 hora local (17.00 GMT) y a partir de septiembre ofrecerá también desayunos desde las 07.00 de la mañana, hora local (06.00 GMT).


La Sociedad de Explotación de la Torre Eiffel (SETE) concedió el pasado octubre los espacios de restauración a la sociedad Umanis, del grupo Sodexo, que ha propuesto un proyecto de "reinvención de los valores franceses".


En este sentido, el director de restaurantes del monumento, Jean-François Prevotat, insistió en que la sostenibilidad ha sido una exigencia, por lo que incluso los puntos de venta de comida para llevar no tendrán utensilios de plástico para reducir los deshechos al mínimo y favorecer el reciclaje.


Los locales de la Torre Eiffel estuvieron en el centro de una auténtica batalla entre cocineros, pues el legendario Alain Ducasse se tomó muy mal perder la licencia para explotar el Le Jules Verne y llevó el asunto a tribunales.


El pasado agosto, una corte administrativa desestimó la petición de Ducasse de anular la concesión a Anton y Marx, de diez años y efectiva desde el 1 de octubre de 2018.

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Artes, Cultura, Musica

Dos Santos, la fusión de numerosos ritmos autóctonos con el activismo social

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El quinteto de Chicago Dos Santos, que fusiona su activismo sociopolítico con jazz, R&B, soul, música tradicional mexicana, punk, salsa y sonidos electrónicos, grabó su más reciente trabajo, "Logos", con un "telón de fondo" muy singular: desde el huracán María hasta las protestas violentas en Virginia.


Formada en 2013, la banda se ha inspirado siempre en la diversidad y el espíritu resiliente de 'la Ciudad de los Vientos'. "Chicago es una ciudad dura, tanto en su forma artística como en su activismo sociopolítico, algo que nos inspira y nos da combustible para salir no solo como una banda, sino además como embajadores culturales y musicales de la ciudad", afirma Jaime Garza, bajista del quinteto.


"Creemos que todos los movimientos sociales han sido apoyados por la música", remarcó.


La formación, que además de "Logos" (2018) tiene un par de álbumes más, "Dos Santos" (2015) y "Fonografic" (2016), está integrada por Alex Chavez (vocalista, guitarra y teclados), Nathan Karagianis (vocalista y guitarra), Daniel Villarreal-Carrillo (batería), Peter "Maestro" Vale (congas, bongós, percusión) y Jaime Garza en el bajo eléctrico.


Las raíces de Dos Santos provienen de variados países: México, Grecia, Panamá, y Puerto Rico.


"Creemos que nuestras raíces, individualmente, son mucho más grandes que nosotros. Nos alimentamos de los artistas y de la música que se hizo antes: la rumba, el huapango, la salsa, el son, el guaguancó, pero con una visión clara de avanzar con estos géneros", explica Garza.


"Nuestro estilo no está tan influenciado por la fusión de géneros como por la actitud y la resistencia de la gente, así como por la música de Chicago", desgrana el bajista.


En su opinión, "formar una banda tiene que ver con la química, con una visión común entre un grupo de artistas".


Todos los integrantes de la banda tienen experiencia, además de artística, en temas de educación y en apoyo a causas de justicia social.


Chavez, por ejemplo, es profesor auxiliar de Antropología en la Universidad de Notre Dame y autor de un libro premiado sobre el huapango arribeño, "Sounds of Crossing: Music, Migration and the Aural Poetics of Huapango Arribeño", editado en 2017 por la Universidad Duke, de Carolina del Norte.


"Individualmente estamos enseñando siempre o participando en paneles sobre nuestro papel como artistas y organizadores comunitarios", apunta Garza.


"Logos", su álbum más reciente con el sello discográfico International Anthem, presume de una mezcla de música house, blues, punk latinx, salsa y ha recibido buenas críticas de varios medios de internet.


"Grabar 'Logos' fue una experiencia única", recuerda Garza.


"En el fondo de la sesión de grabación estaban las protestas violentas en Charlottesville (Virginia, donde en agosto de 2017 hubo tres muertos y 20 heridos tras una marcha de supremacistas blancos), un huracán de categoría 5 en Puerto Rico (María), una nueva presidencia de los Estados Unidos y su retórica racista", desglosa el bajista del grupo.


"Lo único que podíamos hacer es crear arte; música, que sería un testimonio del aquí y del ahora, tratando de sanar las cosas que estaban sucediendo a nuestro alrededor", matiza.


Este mes, Dos Santos escapa del frío de Chicago para participar en el festival de música South by Southwest (SXSW), de Austin (Texas). En ese estado también colaborarán con Beto Martínez, el guitarrista del grupo Fantasma, Money Chicha y Brownout, en un concierto en la ciudad de Buda.


A Dos Santos le gusta colaborar con otros artistas igualmente eclécticos como lo es Olmeca, el activista y vocalista de hip hop "underground" de Los Ángeles.


También actúan frecuentemente con sus compañeros de sello discográfico, los compositores Ben LaMar Gay y Nick Mazzarella, entre otros.


"International Anthem es muy progresista y tiene buen oído...", declaró Garza.


La banda está planeando una gira por México este año y paralelamente busca oportunidades para tocar en otros países del sur de América.


Un álbum tras "Logos" está en proceso. Será un EP (las siglas denominan un intermedio entre álbum y sencillo) de cuatro o cinco canciones "íntimas y oscuras".


"No estamos haciendo algo nuevo. Tomamos viejos conceptos y tradiciones musicales y los usamos para crear una versión honesta de nosotros mismos", confiesa Garza.


"Somos muy conscientes de las nuevas tendencias musicales, pero intentamos hacer una música intemporal, cruda e íntima. Todo se convierte en un círculo perfecto", apostilló. 

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Artes, Cultura, Literatura

Dolores Castro: La familia y la poesía dan sentido a mi vida

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A pocos días de cumplir 96 años, Dolores Castro Varela, poeta, narradora, ensayista y crítica literaria mexicana, sostiene que la poesía y su familia son lo que dan sentido y valor a su vida, una vida en la que las cosas "no han sido fáciles pero tampoco han sido imposibles".


Testigo de los grandes sucesos históricos del siglo XX de México, el villismo (movimiento de Pancho Villa), la guerra cristera, la educación socialista, la emancipación femenina, la matanza de estudiantes en 1968 o la transición democrática, entre otros, Castro Varela asegura que actualmente "parecemos cocodrilos, que se comen todo y dejan los huesos".


"Es importante descubrir el sentido y el valor de la vida. Si uno ama la vida y con un poco de imaginación sabrá que el que está enfrente también la ama. Si se amara la vida, dejaría de haber esas terribles fosas comunes", señala a Efe la ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en Literatura y Lingüística 2014.


La autora de "Algo le duele al aire", "El corazón transfigurado" y "Dos nocturnos" nació en el estado de Aguascalientes, el 12 de abril de 1923, pero se educó en el estado de Zacatecas hasta que se quedó a residir definitivamente en la Ciudad de México.


Fue en su época de educación secundaria que conoció a quien sería su hermana, amiga y compañera de letras, la también narradora mexicana Rosario Castellanos, considerada una de las escritoras más importantes del siglo XX en México.


Dolores estudió Leyes y Letras en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y un posgrado en Estilística e Historia del Arte en la Complutense de Madrid.


Además de poeta y narradora, se ha desempeñado como profesora en la Universidad Iberoamericana y en la Escuela de Periodismo Carlos Septién García.


Fue fundadora de la emisora de Radio de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) en 1959 y jefa de redacción de Barcos de Papel.


Formó el grupo Ocho Poetas Mexicanos con Alejandro Avilés, Roberto Cabral del Hoyo, Javier Peñalosa, Honorato Magaloni Duarte, Efrén Hernández, Octavio Novaro y Rosario Castellanos.
"¡Qué horrible! Sí, somos carnívoros pero no iguales que los cocodrilos. A mí me gusta leer una poesía en que el sueño sea el que contribuya a destacar formas que van más allá de la piel y del hueso, que están en la capacidad de soñar algo mejor, sobre todo para el género humano", agrega.


"No es posible que se olvide que pertenecemos al género humano. No somos animales, y a veces nos portamos así. Pero no somos animales. Somos personas. Con una forma de ser, que difiere a la forma de estar las cosas en vida, o a la forma de los animales".


Maestra de muchas generaciones de poetas, Dolores indica que el consejo que les da a sus estudiantes para que sean mejores seres humanos es que lean, ya que sin leer se pierden toda la experiencia del género humano.


"Cuando el hombre aprendió a hablar luego aprendió a escribir. La palabra tiene un gran valor, oralmente y escrita. Oralmente porque el sentido tiene que ver con las letras, con el número de sílabas, etcétera, de las palabras; y la palabra escrita es nuestra historia. La palabra escrita es nuestra capacidad, todavía, de ser", indica.


Recuerda que le tocó vivir una etapa en que además de la poesía de Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695), "había muchas mujeres que escribimos, somos muchas mujeres que escribimos; y algunas muy bien".


"Y me toca también ver cómo quieren treparse hasta los cielos, y ver que no es tan fácil. En fin, estoy contenta de haber llegado a los 96 años. Para mí no fue fácil pero tampoco imposible".


Afirma que "vivimos una etapa en que la música se transforma en ruido. Eso es grave, porque la música también tiene un orden. Todos los órdenes que tienen las bellas artes se pierden en medio del ruido. En medio del comprar y comprar unos oros, otros bonos, y otros aunque sea trajes".


Sobre los medios electrónicos considera que "son un enriquecimiento, pero sabiéndolos emplear. Pero de otra manera, los jóvenes sacan fotocopias y las presentan como trabajos suyos. Ni siquiera las leen", asevera.
Sobre lo que la da razón y pasión a su vida señala: "Tengo muchos amigos y afectos. Tuve siete hijos, están vivos. Tengo nietos y bisnietos. La familia es una institución que ha corrido diferentes formas, historias.

Que a veces puede ser una forma de perder el libre albedrío pero mucho más que eso es una forma de conservar la especie".


"Es una forma de recordar el afecto, de recordar la gracia de los niños, etcétera. Pero también es una forma de cohesión social. Si no fuera por la familia, estarían más mal educados ahora los niños. Todavía sobreviven familias, sobre todo entre la gente más pobre. Porque la gente más pobre se ayuda en la familia. Pero esto le da cohesión a la sociedad", señala.


Recomienda que para escribir poesía lo mejor es "tomarlo (el poema) inmediatamente que surge. El poema surge de pronto, como una iluminación de la vida, y de la propia vida de la conciencia. Pero esa iluminación es instantánea, y si uno no fuera capaz de tomar el poema inmediatamente que surge se va".


Agrega que "leer poesía es educar los sentidos para ver más, para encontrar más porqué vivir".

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Artes, Cultura

Phelps de Cisneros dona al Reina Sofía 45 obras de arte latinoamericano

La Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) ha donado a la Fundación Museo Reina Sofía de Madrid 45 obras de arte contemporáneo latinoamericano pertenecientes a 33 artistas, la mayoría de Brasil y Venezuela, informó [] la pinacoteca en una nota.


La donación, según el Reina Sofía, permitirá "reforzar la investigación" sobre los movimientos contemporáneos surgidos en América Latina desde 1990 hasta la actualidad.

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El marco cronológico de las obras reviste especial importancia, especialmente lo que se refiere a las de la década de los noventa y los primeros años del siglo XXI, ya que es el menos representado dentro de la colección actual de arte latinoamericano del Museo.


Los 33 artistas reunidos, entre los que hay, además de los de Brasil y de Venezuela, provienen de Argentina, Colombia, México y EE.UU y representan una diversidad generacional y un amplio espectro de prácticas artísticas.


La donación abarca pintura, escultura, instalación, obra gráfica, dibujo, libros de artista, foto collage, entre otros.


La Colección Patricia Phelps de Cisneros ya realizó una donación a la Fundación del Museo en 2018, formada por un conjunto de creaciones con el foco en relatos sobre identidad de género, territorio, memoria y lenguaje.


Con sede en Nueva York y Caracas, la CPPC, está compuesta por cinco colecciones (arte contemporáneo, moderno, colonial, artistas viajeros a Latinoamérica y colección Orinoco), en las que reúne obras desde el siglo XVII a la actualidad.


La colección fue creada a comienzos de los noventa por la venezolana Patricia Phelps de Cisneros como principal programa de arte de la Fundación Cisneros, gestionada por ella junto a su esposo, el empresario Gustavo Cisneros.

Artes, Cultura, Musica

Ximena Sariñana y la libertad de la música: Con el baile puedes ser tú misma

La música como vía de liberación feminista y personal es la línea maestra de "¿Dónde bailarán las niñas?", el nuevo álbum de Ximena Sariñana, quien, antes de actuar en el festival SXSW de Austin (EE.UU.), charló con Efe sobre el poder emocional y catártico del baile.


"Creo que el disco salió muy femenino, también muy feminista, porque me encontró en un momento de mi vida en el que me sentía superplena, aceptada y en contacto con mi feminidad y lo que es para mí ser mujer", explicó en una entrevista telefónica.


"Como mujeres, creo que es importante que podamos tener ese espacio positivo. Y lo llevé a un punto muy metafórico que es la parte del baile porque el disco en sí está muy bailable. Y creo que el baile es un momento en el que puedes ser tú misma, que disfrutas mucho y que conlleva cierta libertad", agregó.


Sariñana (Guadalajara, México, 1985) se presentará mañana en el South By Southwest (SXSW), uno de los festivales musicales más importantes e influyentes del mundo, como parte del concierto "BMI Latin:

Sonidos Alternos", donde también actuarán Mahya Veray y su Trauma, Alih Jey & Cuñao, El Mañana y Cimafunk.


La mexicana no es una novata en SXSW puesto que esta será su cuarta vez en el macroevento de Austin.
"Es un festival que conozco muy bien, muy único, muy auténtico, que ha crecido muchísimo. Y yo lo disfruto un montón. Sí, es un poco una locura para los artistas, porque vas de un show a otro corriendo, pero si tienes tiempo para ver otras bandas es increíble porque tienes la oportunidad de verlos en formatos y lugares muy diferentes", dijo.

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Su concierto en Austin, además de su participación el sábado en el festival Vive Latino de Ciudad de México, llega en un momento ideal para la artista, que lanzó el 1 de marzo "¿Dónde bailarán las niñas?", el cuarto disco de su carrera.


"Es un título que tiene mucha historia en la música pop mexicana. Viene desde Maná (por su álbum "¿Dónde jugarán los niños?") y Molotov (por su disco "¿Dónde jugarán las niñas?") le hizo como su versión. Y yo estoy haciendo aquí la mía", explicó.


Canciones como "¿Qué tiene?", "Si tú te vas" o "Cobarde" forman parte de este nuevo trabajo que mezcla el pop con influencias electrónicas y en el que conviven dos almas: una más bailable, festiva y que apunta a la evasión; y otra más introspectiva y reflexiva.


"Viene con esos dos lados bien marcados. Para mí, los dos forman parte de la banda sonora de una noche. Son canciones muy nocturnas", afirmó.


"Y la noche tiene esos dos tintes: uno más clásico de salir de fiesta y bailar; y luego hay otro que son todos estos momentos en las madrugadas más introspectivos o de experimentación, de compartir ya no tanto en grupo sino solo uno mismo o con solo una persona", detalló.


Marcado de principio a fin por una mirada feminista, en este disco, según Sariñana, se nota la huella de las mujeres que la han acompañado en su vida.


"Todas las mujeres a mi alrededor son mujeres que siempre han bailado a su ritmo, han llevado la vida que quieren llevar y se han abierto camino", indicó.


"Me siento muy afortunada porque creo que mi generación está llena de mujeres y de referentes musicales que hacen las cosas como quieren, siempre a su manera, y con su estilo -añadió-. Nadie les dice qué hacer. Y, en ese aspecto, todas son una inspiración muy grande para mí".


En el mismo sentido, Sariñana ha contado para el álbum con tres colaboraciones, todas ellas femeninas: las de las cantantes Francisca Valenzuela (en el tema "Pueblo abandonado"), IZA ("Fácil de amar, Chega pra ca") y Girl Ultra ("No sé").


La cantante subrayó que "no es habitual escuchar duetos entre mujeres" y añadió que las tres invitadas "son chicas que están rompiendo barreras en sus países y sus géneros".


Sariñana reflexionó sobre los avances por la igualdad en la industria musical de su país.
"Si bien hay un sinnúmero de mujeres haciendo música increíble y en control de nuestras propias carreras, de nuestras propias vidas y tomando nuestras decisiones, todavía como que hace falta más para tener un cambio real", opinó.


"Espero que a lo mejor generaciones más jóvenes puedan vivir realmente en un mundo en el que esto ya no sea un tema", finalizó. 

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El tema "Con Calma" de Daddy Yankee y Snow es la canción más escuchada en EE.UU.

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La canción "Con Calma" de Daddy Yankee es la canción más escuchada en la radio de Estados Unidos y Puerto Rico según el Broadcast Data System (BDS), informó este martes en un comunicado la empresa de representación, Perfect Partners.


Se trata del más reciente sencillo del reguetonero puertorriqueño que incluye la colaboración del canadiense Snow.


A menos de un mes del lanzamiento del sencillo y vídeo "Con calma", este nuevo éxito del icono urbano Daddy Yankee continúa escalando posiciones en el gusto del público internacional, acaparando por segunda semana consecutiva el primer lugar de la plataforma YouTube.


Además el tema se coloca en la segunda posición de las canciones más escuchadas en Spotify en el mundo y número dos en el listado global de la plataforma digital, Deezer.


Esta versión modernizada a ritmo de reguetón del tema "Informer", popularizada en los años 90 por el músico canadiense de reggae Snow, quien igualmente colabora en esta ocasión, alcanzó el tope de la lista global de Spotify.


El intérprete y productor celebra este éxito tras su regreso a Chile, donde el pasado fin de semana tuvo dos llenos totales en el Movistar Arena ante alrededor de 25.000 personas.


Este fin de semana llega a Argentina al estadio Geva con todo vendido.


El nuevo récord de "Con calma" se suma al alcanzado hace menos de una semana en la plataforma de YouTube cuando se colocó como la canción más reproducida en siete países, según Monitor Latino.


El número uno es el resultado de las reproducciones de radio en América Latina y en el mercado hispano de Estados Unidos.
El tema también continúa escalando posiciones en la plataforma digital Apple Music, 1 en Argentina, Chile, Ecuador, El Salvador, Guatemala, Honduras, México, Perú y España; 2 en Bolivia, Costa Rica, Italia y Nicaragua.


De otra parte, Yankee suma otro logro para su carrera siendo candidato a formar parte del Salón de la Fama de los Compositores Latinos (LSHOF) en 2019 donde se reconoce el trabajo y legado de los cantautores y compositores latinos.


Los seis elegidos serán anunciados durante la séptima entrega anual de los Premios La Musa, que se llevará a cabo el próximo 17 de octubre en el James L. Knight Center de Miami.

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Peter Fonda dice que sus tres directores de cine favoritos son mexicanos

El actor estadounidense Peter Fonda declaró [] en México que sus tres directores favoritos son los mexicanos Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, galardonados con premios Óscar en varias ocasiones.


Al participar en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) que transcurre hasta el 15 de marzo, Fonda (Nueva York, 1940) afirmó que "los tres compadres",como llaman a los directores mexicanos, hacen un cine "hermoso" y "perfecto".


"Cuarón es el mejor y Del Toro hizo la mejor película, de un pez que le hace el amor a una mujer que no es un pez y luego se va nadando por ahí para vivir la felicidad eterna," dijo en broma a los asistentes a la Master class que ofreció a estudiantes y apasionados del cine.


Del Toro "es brillante", el Laberinto del Fauno es perfecta. Alejandro Iñárritu también hace lo mejor, hizo The revenant, Birdman, "imagínense mis tres directores favoritos son mexicanos, pero necesitamos más mexicanas", aseguró en un guiño a la audiencia.

Artes, Cultura, Cine

Guillermo Iván busca sacar a los latinos de la "pecera" con filmes en inglés

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El director mexicano Guillermo Iván dijo a Efe que tiene en el inglés un aliado para sacar de la "pecera" a los latinos con películas como "Welcome to Acapulco", su nueva y "más grande" producción que se estrena esta semana.


El también actor y productor, radicado en Nueva York, aseguró que esta comedia de acción sobre un "antihéroe", que está disponible "on demand" y en "streaming" desde este martes en Estados Unidos, refleja su propósito de "contar historias universales en inglés, pero con elementos latinos".


"El latino hoy en día se quiere ver retratado ya no solamente como una radiografía de alguien que está en una pecera", expresó.


Llamó así a dejar de pensar en los hispanos como simples estadísticas demográficas, "desintegrados" o como el "cliché de inmigrantes", cuando también hay profesionales y líderes empresariales y gubernamentales.


"Hacer historias que tengan a latinos haciéndolo en inglés o bilingües y mezclado con su cultura nos permite entender que estamos integrados", indicó Guillermo Iván Dueñas, su nombre real.


Para el realizador, el cine es "una de la mejores armas para narrar qué somos y quiénes somos".


"Welcome to Acapulco" combina actores estadounidenses como Michael Madsen, Paul Sorvino, William Baldwin y Mike Kingsbaker con estrellas de las telenovelas mexicanas como Ana Serradilla, Ana Layevska, Osvaldo de León y el propio Iván Guillermo.


Mezcla además el universo de los videojuegos con una ciudad "'vintage', con glamour de los años setenta como lo es Acapulco", resaltó.


Por otro lado, el cineasta indicó que el inglés le abre la puerta de otros mercados, como por ejemplo Rusia, donde "Welcome to Acapulco" se estrena este jueves, o Portugal, a donde llega el próximo 19 de marzo.


"Tristemente nuestro cine en español viaja poco, no tiene la posibilidad de llegar a otras ventanas por la forma en que está constituida la industria", subrayó.


Agregó que hay claras excepciones con producciones como la ganadora de tres premios Óscar "Roma", debido al renombre de su director, el mexicano Alfonso Cuarón.


Guillermo Iván recordó con humor que su carrera empezó por casualidad a los seis años cuando pasaba por un parque en Guadalajara (México) en el que estaban filmando una comedia en la que necesitaban un niño como él, para entonces "un gordito chistoso", para gritar "vieja loca!".


Ese corto parlamento y la influencia de unos padres dedicados a las artes plásticas y la música, lo encaminaron desde niño como actor infantil de telenovelas.


Educado en Ciudad de México, La Habana y Nueva York, Dueñas cuenta que los estudios que cursó durante ocho años en Cuba, de donde es su familia materna, influyeron enormemente en su carrera.


"Eso cambió mi vida, eso me hizo entender la actuación, el teatro y el cine desde el punto de vista académico, y no solamente como un juego", manifestó.


A los 38 años, el dueño de Golden Ceiba Productions reparte su tiempo como director y también como actor de series y telenovelas, y no quiere elegir una de sus muchas facetas, porque son todas profesiones "incomparables".


El actor de telenovelas como "Al otro lado del muro" regresa además este domingo a la pantalla chica como la mano derecha de un capo de la droga inspirado en Joaquín "El Chapo" Guzmán, condenado y encarcelado en Estados Unidos.


De este papel protagonista en la serie "El desconocido: La historia del Cholo Adrián", cuya primera temporada se estrenó en 2017, el actor destaca el esfuerzo de la producción por "entender la parte humana".


Precisó que este drama de acción de la cadena Cinelatino muestra la "fragilidad" de El Cholo, la mano derecha del capo, que "tiene miedos como cualquier ser humano".


Para Guillermo Iván, el "enfoque humano" en el cine y la televisión hace la diferencias entre lo que sería una papa "frita chatarra y una gourmet", en este caso, en medio de la proliferación de las temáticas de narcos.


Aclaró además que no es una novedad al recordar el éxito de historias como "El Padrino" ("The Godfather", 1972) o "Cara cortada" ("Scarface", 1983) porque "siempre ha habido en la historia del cine una fascinación por entender el significado de la mafia, no es nueva, y vende, claro". 

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Artes, Cultura, Musica, Video

Karol G alista estreno de documental y se confiesa lista para ser madre

La cantante Karol G. prepara el estreno de un documental sobre su carrera profesional, en el que cuenta "las cosas como son de verdad", desde sus inicios, y se confiesa lista para convertirse en madre en el mediano plazo, según dijo en entrevista con Efe.


La colombiana se encuentra promocionando "Karol G: la guerrera del género", el documental producido por Univision Digital y que tras presentarlo junto a sus padres en Miami (Florida) se alista a llevarlo al festival SXSW de Austin (Texas), que empezó este fin de semana, previo a su estreno oficial el 19 de marzo en plataformas digitales.


La promoción del documental se suma a una cargada agenda para este 2019 en la que también destacan tres diferentes giras de conciertos, una de ellas junto a Gloria Trevi para fines de año, además de la publicación de un nuevo disco.


La cantante, de 28 años, está también próxima a embarcarse a Latinoamérica con la gira "Culpables" junto a su prometido, Anuel AA, con quien además planifica un futuro próximo como padres de familia.

Artes, Cultura, Espectáculos

El Museo de Bellas Artes de Houston muestra la vida de Van Gogh con 50 obras

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El Museo de Bellas Artes de Houston (Texas), inauguró [] una exposición que muestra la tumultuosa búsqueda de Vincent Van Gogh de convertirse en un artista a través de más de 50 obras, desde bocetos de sus inicios a los paisajes que lo hicieron famoso tras su muerte.


El MFAH, como se le conoce por sus siglas en inglés, uno de los diez museos de arte más grandes de Estados Unidos, exhibirá hasta el 27 de junio "Vincent van Gogh: Su Vida en el Arte", que recoge obras prestadas por el Museo Van Gogh de Amsterdam y el Kröller-Müller de Otterlo (Holanda), que poseen la mayor colección de Van Goghs del mundo.


La exhibición consta de una selección de más de 50 pinturas y dibujos de Van Gogh (1853-1890) que fueron hechos en un período de diez años y que van desde los bocetos y paisajes, a las naturalezas muertas o retratos que acabaron por hacerlo famoso.


"Es un enorme placer el haber contribuido en esta muestra por medio del apoyo que tenemos entre instituciones", dijo Axel Rüger, director del Museo de Van Gogh en Amsterdam durante la presentación ante la prensa.
Según Rüger, lograr hacer la obra de Van Gogh lo más accesible posible para el público es "muy importante para el Museo Van Gogh de Amsterdam" y forma parte de su misión.


La exhibición revela la "corta y asombrosa carrera de Van Gogh, desde sus inicios cuando no tenia experiencia para luego tener un desenlace apoteósico y por último un fin trágico", comentó a Efe David Bromfold, curador de la exposición y jefe del Departamento de Arte Europeo del MFAH.


"Van Gogh logró resultados increíbles, fueron 850 cuadros y 1.300 dibujos, esto es un logro absolutamente fenomenal, cambió el arte por siempre", agregó Bromfold, quien también es director del Departamento de Conservación del museo.


Una primera sala sirve a modo de presentación de la exhibición con varias copias de sus piezas y un audio que ambienta esos tiempos con una recreación de una discusión entre Van Gogh y su colega Paul Gauguin en la "casa amarilla", en la localidad francesa de Arles.


La muestra está dividida en las cuatro etapas claves de la trayectoria del pintor postimpresionista, desde los primeros bocetos hasta las últimas pinturas que realizó.


De esta forma se puede ver en la primera sala "Los cavadores" (1880), copia de la obra de Jean-François Millet, realizada por Van Gogh como parte de su formación, en la que hizo copias y grabados de grandes pintores durante sus primeros años como artista en Holanda.


A su vez, se refleja el enorme valor que tuvieron para Van Gogh las escenas y paisajes de la vida rural a través del gran número de dibujos y pinturas que hizo mientras vivió en el pueblo de Nuenen.


Una réplica de "Campesinos comiendo patatas" (1885), su primer gran proyecto, va acompañada por una reproducción a gran escala sobre un mural de una de las cartas que escribió a su hermano Theo y donde analiza la obra.


Las más de 800 cartas que escribió Van Gogh a familiares y amigos son un "testimonio diario de su evolución como artista, a través de ellas podemos ver con transparencia cuál era su búsqueda", según explica Gary Tinterow, director del MFAH.


En una segunda sala se exhibe "Agostina Segatori en Le Tambourin" (París, 1887), obra influenciada por la vida urbana parisina en la que se aleja del tema rural, se concentra en el retrato, un momento en que conoce a otros artistas que influyen en su obra.


La exposición también muestra la búsqueda del artista de la luz y el color durante su estadía en Arles, donde pinta paisajes, campos de trigo y retratos.


"Las Rocas"(1888), "La colina de Montmartre"(1886) y "Campos arados" (1888) manifiestan su atracción por los paisajes coloridos del sur de Francia, y su nuevo estilo se caracteriza por pinceladas largas y rítmicas, y capas gruesas de pintura.


Destaca también "Bodegón con plato de cebollas" (1889), que finalizó a su regreso del hospital luego de cortarse la oreja tras una discusión con Gauguin.
En la última parte de la exposición, se puede apreciar "Irises"(1890), una de las obras más emblemáticas de Van Gogh, de la que hizo varias versiones, y que creó mientras estaba internado en el asilo de Saint-Rémy debido a sus transtornos psicológicos.


"El jardín del asilo en Saint-Rémy" (1889) y "Mujer campesina atando gavillas" (1889) muestran la fascinación del artista por los jardines y los campos de trigo que veía desde su habitación en Saint-Rémy.
"Van Gogh ha perdurado en nuestra imaginación y lo seguirá haciendo debido a su autenticidad y sinceridad, porque sus obras revelan a un artista apasionado y casi desesperado por el deseo de comunicar algo a la humanidad", dijo Tinterow.


"No podría pedir un mejor final para mi carrera acá en Houston", dijo a Efe Bromfold, quien se despide del museo con esta exhibición para jubilarse y regresar a su Inglaterra natal.

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Artes, Cultura, Cine, Televisión

Netflix producirá en México cine de animación con directores de Latinoamérica

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La plataforma digital de contenidos Netflix trabaja en series y cine de animación en México al lado de creativos de América Latina, dijo este sábado a Efe Melissa Cobb, vicepresidente de Kids & Family en Netflix.


"Estamos muy emocionados de trabajar con algunos de los creadores en América Latina y México más talentosos, como Guillermo del Toro, Jorge Gutiérrez y Sergio Pablos, dijo Cobb al asistir al 34 Festival Internacional de Cine de Guadalajara, oeste de México.


Aseguró que la plataforma está en "la búsqueda de la siguiente generación de grandes creadores alrededor del mundo específicamente en esta parte del continente".


México tiene una veta de creadores importante "e historias que se aterrizan muy bien en la animación por la cultura y un hermoso arte", añadió en una charla en el FICG.


Como punta de lanza, en una primera fase destinada al público infantil, están "Pinocchio", del Guillermo del Toro, y "Klaus", del realizador español Sergio Pablos, comentó.


"Vimos que también las familias junto con los niños ven los contenidos de la plataforma y es una experiencia más que quiere brindar la familia Netflix", puntualizó.


Dirigido y producido por Del Toro, a partir de la historia clásica "Pinocho", el filme tendrá una animación musical y en "stop motion", lo que lo hará una producción única, afirmó.


La vinculación con Del Toro a partir de esta película ayudará a Netflix a encontrar nuevos talentos que puedan generar historias interesantes, abundó.


Recordó que Del Toro lanzó en enero pasado una convocatoria a jóvenes que quieran trabajar en esta producción.


"Guillermo es un campeón en promover y ayudar con mentorías a los talentos en México y América Latina, lo hace todos los días y en todos los proyectos que él tiene y esta gran producción tendrá artistas de todo el mundo que se puedan unir", expresó Cobb.


"Maya and the Three" será una miniserie animada a cargo del director mexicano Jorge Gutiérrez, creador de la película "El libro de la vida" (2014).


Esta serie estará inspirada en la antigua tradición mesoamericana y mezclará la comedia, acción y el drama con la historia de una mujer que se convierte en una guerrera que lucha con los dioses.


El proyecto con Pablos, es el de mayor avance y que podría ser estrenado durante la temporada navideña del 2019, es una animación en 2D que retoma las tradiciones navideñas y cómo estas se hacen realidad, reveló la directiva.


Netflix trabaja también con la animadora chilena Fernanda Frick para crear "Sube el Nivel", una historia de animación acerca de un grupo de adolescentes latinoamericanos que quieren ser deportistas olímpicos.


En esta primera etapa Netflix busca llegar al público infantil y a las familias, pero también pretende abarcar a la audiencia más adulta que busca este tipo de producciones, aseguró Cobb.


"Tenemos otros proyectos más enfocados al humor para adultos como 'Paradise PD' y 'Big mouth', pero hemos visto un especial interés en el animé en México, ahora estamos produciendo 'Seis manos', inspirado en este país y tenemos 30 proyectos más en Japón y algunos países de la Polinesia", reveló.


El FICG terminará el 15 de marzo con la exhibición de 295 películas, entre ellas 113 filmes en la sección oficial que competirán por el premio Mezcal a las mejores producciones mexicanas y el Premio Mayahuel a los largometrajes y cortometrajes iberoamericanos de ficción y documental.

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Artes, Cultura, Musica

Raphael: "Son los jóvenes los que me piden"

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Raphael regresa al Olympia de París este domingo en una de las últimas citas de su gira "Loco por cantar", tras la que se muestra dispuesto a continuar sobre el escenario durante años, según dijo en una entrevista a Efe, en la que detalló los secretos de su particular fuente de la eterna juventud.


La respuesta parece encontrarse en su público, los de siempre, que le reclaman los éxitos que lanzó en los años 60, y en su particular y personal actitud de no mirar nunca atrás, lo que le ha permitido encontrarse con la juventud que aún baila al ritmo de "Mi gran noche".


Sentado en un sillón de terciopelo rojo, en el histórico café de la Paix de la plaza de la Ópera, y vestido a la parisiense con chupa de cuero y jersey de cuello alto negro, Raphael se encoge de hombros y busca la respuesta en el cielo: "¡Son ellos, son los jóvenes los que me piden!".


"Yo no me he adaptado a nada. Vivo como vive la gente hoy en día porque yo soy así, no soy una persona nostálgica ni de esos que están todo el día recordando el pasado, y mira que mi pasado es brillante", asume.


No es el cambio, sino la evolución, asegura, y el pensar siempre en el mañana.


"Por eso vivo como la gente joven, porque estoy en el mañana", dice.


Cuando llegaron las versiones "techno" de sus grandes éxitos, los "milenials" ya habían caído en su embrujo, con los ecos de "Escándalo" o "Yo soy aquel", aprendidas en muchos casos por inercia o presión social.


Su movimiento de caderas en el escenario ha seguido conquistando a su público en América y España, como mostró en 2018 en los conciertos por Nueva York, Los Ángeles, o México, donde no hay teatro de renombre que se le resista: el Dolby Theater que acoge anualmente la gala de los Óscar, o el Beacon Theater de Manhattan.


De esta juventud dice apreciar la pasión por "cambiar las cosas", aunque la clave, les recuerda, está en "evolucionar", "añadir y poner las cosas cada vez mejor".


"Lo bueno es cuando la evolución es constante. Al cabo de los años he cambiado, pero poco a poco", lo que ha hecho la transformación menos impactante, en su opinión.


El cantante aplaude además la actitud de la ciudadanía en las manifestaciones del pasado viernes en toda España a favor de la igualdad y los derechos de la mujer, aunque en su opinión "no hace falta que lo hagan" porque "la mujer es exactamente igual que el hombre".


"Un ser humano con los mismos derechos y oportunidades. Unos son del género femenino, y otros del género masculino", resume.


De la situación política que vive el país, a poco más de un mes de las elecciones generales, solo se le escapa un sentido "ay" seguido de un suspiro y una sonrisa pícara tras la que afirma: "Espero que estemos todos bien orientados y votemos a quien tenemos que votar".


Mientras tanto se concentra en el Olympia, con las mejores plazas ya agotadas pero aún huecos disponibles horas antes del concierto, sala donde ya cantó en 1967 y de la que guarda un recuerdo "mágico y maravilloso".


Mirando ligeramente atrás -no demasiado-, habla de Charles Aznavour, con quien cantó "La Bohème", pero sobre todo de su Édith Piaf, su eterno ídolo.


Su gira por Europa, que continuará en Moscú, San Petersburgo y Londres, le sirve para recuperar a un público que tenía abandonado a cambio de América.


"Sin darme cuenta he ido dejando de cantar en las principales ciudades de Europa y eso no puede ser", dice, aunque al final, le vino bien porque "así podía pasear por las calles europeas tranquilamente" junto a su mujer.


Ahora vuelve a los teatros en los que empezó antes de acabar la "tournée" y empezar a finales de este año la de su último disco, "RESinphónico", con su particular receta: un poquito de lo de siempre y un toquecito de novedad, para que luego no le digan que "siempre" canta lo mismo. 

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Artes, Cultura, Literatura

Lola Montes, una de las grandes feministas del siglo XIX, llega a Nueva York

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La historia de Lola Montes, una revolucionaria, ingeniosa e independiente mujer irlandesa que, haciéndose pasar por una bailadora española, encandiló a toda una época, llegó este jueves a Nueva York con la presentación del libro "Divina Lola", de Cristina Morató.


"A su manera fue una gran feminista del siglo XIX", contó a Efe la autora, que habló de su obra en un evento organizado por el consulado de España en Nueva York, una ciudad en la que la protagonista de la historia pasó los últimos años de su apasionante vida.


"Ella demostró que una mujer, con pasión, tenacidad, con mucho trabajo y fuerza de voluntad podía conseguir lo que quisiera, porque (...) triunfó en todo lo que se propuso y nunca tiró la toalla", agregó Morató.


La escritora, y también periodista, pasó más de dos años de su vida investigando y siguiendo los pasos de la vida de Lola Montes, una irlandesa nacida en 1821 cuyo nombre real era Elizabeth Gilbert y que inició su carrera artística haciéndose pasar por una bailadora de flamenco de Sevilla pese a no saber hablar español.


Con su inteligencia y arrojo, Lola Montes se convirtió en una de las mujeres más famosas del siglo XIX que triunfó primero en Europa, donde el rey Luis I de Baviera renunció a su título por ella, y después en Estados Unidos, donde se codeó con literatos, políticos, músicos y aristócratas.


Pese a que su fama internacional llevó a que su supuesta vida quedara ampliamente documentada en artículos de prensa, la investigación del personaje para la elaboración de su biografía fue extremadamente trabajosa, dada la cantidad de mentiras que la propia Lola Montes contó sobre su trayectoria.


"Han sido dos años y medio de mi vida. Ha sido el libro para mí más complicado hasta la fecha, porque lo que había sobre Lola Montes eran novelas, muchas novelas, y sobre todo mucha ficción", explica Morató.


Fueron las más de 3.000 cartas que se intercambiaron la bailadora y Luis I de Baviera a las que tuvo acceso, además de 50 cajas repletas de documentos archivados en la Universidad de Berkeley, lo que ha permitido un retrato fiel de la artista, que en sus escasos 40 años de vida vivió en París, Londres, Munich, California, Nevada y Nueva York.


Tras su amorío con Luis I de Baviera, Lola Montes huyó a EE.UU., donde siguió ganándose la vida como bailadora pese a que su talento artístico dejaba mucho que desear, con espectáculos que ofrecía ante los rudos mineros que la pagaban con pepitas de oro, y después como escritora de libros de consejos de belleza, de los que vendió decenas de miles de copias.


Sin embargo, y pese a sus constantes aventuras, Morató es de la opinión de que la irlandesa, una mujer que se adelantó a su época, no llegó a tener una vida plenamente feliz, porque no encontró el amor.


"Tuvo una vida desdichada, pero era una auténtica superviviente", remató la escritora, que durante su viaje a Nueva York pudo visitar por primera vez la tumba de la bailadora, situada en el distrito de Brooklyn, y que hasta hace escasos años no se sabía que pertenecía a Lola Montes.

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Artes, Cultura, Musica

Sole Giménez: "La gente aún se sorprende de que compusiera 'Alma de blues'"

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Por "una sensibilidad diferente, ni mejor ni peor que la de los hombres", porque hicieron hallazgos temáticos, renovaron estilos o escribieron canciones emblemáticas que muchos desconocen que llevan firma femenina", Sole Giménez vuelve con nuevo álbum para saldar deudas con las creadoras, incluida ella misma.


"La gente se sigue sorprendiendo de que compusiera 'Alma de blues' o textos como el de 'Cómo hemos cambiado'. Me ven como una cantante y así nos pasa a la mayoría. Se nos otorga un papel menor del que realmente tenemos; por eso hay que visibilizarnos en la música", justifica la artista en una entrevista con Efe.


El resultado de su renovado empeño por mejorar esta situación se llama "Mujeres de música" (Altafonte), un libro-disco de gran formato, tanto por su materialización física como por el despliegue de medios, ya que fue grabado por primera vez en su carrera con una orquesta sinfónica (concretamente, la Sinfónica de Bratislava).


"A lo mejor sí es un regalo que me he hecho, pero ¡qué regalo más caro!", bromea Giménez (París, 1963), quien considera que en estos tiempos en los que la tónica es "hacer cualquier cosa", honrar a la mujer creadora requería "un envoltorio adecuado y un sitio con letras en grande" que ella ha sufragado de su bolsillo.


La exmiembro de Presuntos Implicados se ha reservado un hueco con dos temas, la inédita "El último vals" y "Me equivoqué", que ya aparecía en su anterior álbum, "Hombres sensibles" (2017), pero que "quedó tan bonito" con los arreglos orquestales cuando lo probó con la Orquesta de Valencia que no pudo resistirse a incluirlo en el repertorio final.


Ahí están "La flor de la canela" de Chabuca Granda, "gloria nacional de Perú" que se animó a componer tras su divorcio y hacerlo "sobre un caballo, un farol o un puente" frente a los estereotipos; también "Alguém me avisou" de la "reina de la samba", Dona Ivone Lara, o "Corazón del sur", de la argentina Eladia Blázquez, quien renovó con lirismo el entonces muy masculino mundo del tango.


"Nosotras lo tenemos más fácil que muchas de ellas, pero eso no significa que esté todo hecho: queda que no se nos pida ser un escaparate, que se nos valore por nuestro talento, que sea normal que el autor de una canción sea un hombre o una mujer y que esta cope más puestos de responsabilidad en la industria y en los medios musicales", precisa.


Giménez, que incluye en su selección a la española Mari Trini ("Tendríamos que reflexionar cómo hemos podido dejar en el olvido su talento", denuncia), apuesta asimismo por dos autoras jóvenes como Rozalén y la mexicana Natalia Lafourcade, poseedoras de "un sello inconfundible y una apuesta por decir y hacer cosas que antes no se habían hecho". 


"Las que llegaron tienen mucho sentido para mí. Hay canciones que me han acompañado durante años y luego busqué composiciones de determinadas autoras, de diversas generaciones y países", explica Giménez, quien circunscribió al ámbito latinoamericano el radio de acción: uno, por ponerse "las cosas fáciles" ("Canto mejor en idiomas latinos", reconoce) y, dos, "porque la música en nuestro idioma se valora muy poco", opina.


De hecho, este "Mujeres de música" aparece dedicado en su primera página a María Dolores Pradera, "una maestra que aunaba las patas de este disco: unir las dos orillas del Atlántico y visibilizar a la mujer creadora, como hizo con Chabuca y otras".


"Nada casual" que el álbum, que llevaba año y medio gestándose, se publique en la semana del 8M, retomando intentos previos de Giménez como el disco-libro con mujeres que realizó hace años para Intermón Oxfam con la iniciativa "Avanzadoras: 12 canciones a mujeres que avanzan y hacen avanzar". 

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